Le maniérisme et les prémices du baroque

Francesco de’Rossi, surnommé Cecchino, prit le nom de son principal protecteur, le cardinal Giovanni Salviati, lorsqu’il arriva à Rome, trois ans après le sac de la ville par Charles Quint (1527). Sa carrière se déroula spécialement dans la cité pontificale, qui connut un renouveau culturel et artistique sous le mécénat d’Alessandro Farnèse, devenu pape sous le nom de Paul III. Son art, très apprécié, appartient au courant florentin où la peinture est fondée en grande partie sur le dessin qui joue un rôle fondamental. C’est comme dessinateur qu’il s’imposa lors de son séjour à Venise. L’artiste appartient à la génération de la deuxième phase du maniérisme italien, dont il est l’un des meilleurs représentants avec Primatice, Bronzino, Daniele da Volterra, après Pontormo, Giulio Romano, le Rosso et Perino del Vaga, artistes du premier maniérisme italien. D’un apprentissage chez un orfèvre lui vint sans doute le goût des formes étranges, capricieuses, des ornements.
Il fréquenta les milieux humanistes – il est qualifié de lettré par Vasari – et exécuta de nombreuses commandes pour les princes et les cardinaux. Il participa à des décorations temporaires de fêtes, et composa de nombreux décors notamment au palais Farnèse à Rome, à la sala dell’Udienza du palazzo Vecchio (1543-1545), à Florence, où le duc Cosme I^er de Médicis l’avait fait venir. Il est considéré comme le plus grand décorateur des années 1540-1560. Dans un langage novateur, il multiplie les figures allégoriques, les éléments naturels, les trophées. Ses compositions très animées, où la liberté d’imagination, la fantaisie, l’extravagance, le fantastique se donnent libre cours, illustrent remarquablement la maniera.
Sa création artistique est très variée : peintures, retables, décors, tapisseries, illustrations de livres, orfèvreries, dessins pour la gravure, majoliques, émaux. Ses thèmes sont tout aussi divers : portraits, œuvres religieuses, mythologies, allégories, emblèmes.
Vasari souligne sa parfaite maîtrise du dessin qui joua un rôle essentiel dans sa création, et sa facilité à traduire les styles les plus variés. Sur les 310 dessins environ qui sont conservés, dont trente-neuf au Louvre, auxquels s’ajoutent 145 pages dessinées dans des ouvrages, 206 peuvent être considérés comme des originaux. Dans son corpus de dessins, l’étude de la figure humaine prime sur les autres types, avec une prédominance pour la figure masculine basée, semble-t-il, sur des modèles vivants. Les corps féminins paraissent davantage reproduire des modèles de l’art classique.
Le Jeune homme nu assis est une étude de l’artiste pour le tableau Adam et ève exposé actuellement à la galleria Colonna, daté de 1553. La pose d’Adam y est très recherchée, provocante même, à la limite du déséquilibre, la torsion excessive du buste aux épaules rapprochées, le genou de la jambe gauche surélevé sont autant de détails encore plus sensibles et plus accentués dans le dessin préparatoire, isolé au centre de la feuille, que dans le tableau.

Peintre, décorateur, graveur, sculpteur et architecte, Farinati, qui naquit en 1524 à Vérone, y fut actif jusqu’à quatre-vingt-deux ans. Il appartient à la génération de Paul Véronèse et du grand architecte Palladio. Ses exemples furent Michel-Ange, Giulio Romano, Parmigianino et Véronèse. La nouveauté et la modernité de ses recherches, sa créativité, lui valurent une clientèle constante. Les commandes affluèrent pour des églises, des couvents, des villas privées écloses dans de vastes domaines agricoles, lieux de villégiatures, et des palais. Si ses débuts restent mal connus, son précieux Giornale nous documente avec précision sur son abondante production de 1573 à 1606, à Vérone et dans les environs.
Dessinateur fécond, doué d’une imagination fertile, il avait conservé ses dessins et réunis certains d’entre eux dans un Libro di carta azzura, recueil de compositions destinées à sa clientèle. Beaucoup de ses dessins passèrent en France ; certains furent gravés par Jean Le Pautre (1618-1682) et Abraham Bosse (1602-1676) au 17^e siècle. De grands amateurs, tels Everard Jabach (1607/1610-1695) et Pierre Crozat (1665-1740), s’y intéressèrent.

Ciampelli commença sa carrière à Florence, où on le trouve inscrit à l’Académie de dessin le 5 mai 1585. Cependant, il travailla à Rome la plus grande partie de sa vie. Il arriva dans la Ville éternelle sous le règne du pape Clément VIII, en 1594, et vécut dans le palais du cardinal Alessandro de Médicis, pape en 1605 sous le nom de Léon XI, et décédé la même année. Il travailla au Gésu, à Saint-Jean-de-Latran, à S. Vitale, S. Giovanni de Fiorentini, entre autres. En 1629, il fut nommé Soprastante della Fabbrica di S. Pietro, aux côtés de Bernini.
Environ soixante-douze dessins de l’artiste ont été identifiés, dispersés dans différents musées, principalement le Louvre, les Offices et à Rome. Ces premiers dessins ont un caractère très florentin et sont encore imprégnés de maniérisme. Élève de Santi di Tito, peintre florentin représentant le renouveau de l’art et le courant antimaniériste, il évolua vers le baroque, sans toutefois se détacher complètement de la maniera.
L’Annonciation est un exemple de cette synthèse des deux tendances. L’ensemble est traité d’une manière picturale, au lavis vert de différentes intensités avec des rehauts de gouache blancs, respectant des zones de transition, et jouant sur la transparence des ombres, comme dans plusieurs de ses dessins. La composition s’articule autour d’un ovale de lumière qui structure l’espace et anime les personnages qui l’occupent, plus concrètement que dans le maniérisme. L’artiste ne détermine pas la forme par des contours précis, bien que certains d’entre eux soient librement indiqués à la plume. Il travaille au pinceau, même pour traduire des tracés linéaires. Les rehauts de blanc, très prononcés, donnent une grande luminosité au dessin, tout en créant un effet de chiaroscuro. La Vierge et l’archange se détachent avec beaucoup de relief, émergeant du fond lavé du papier à la manière vénitienne. La fermeté, la maîtrise du modelé diffèrent de la fluidité qui caractérise le maniérisme. L’attitude de Marie, la tête et le corps en légère torsion, se rattache encore à ce courant, tandis que celle de l’archange Gabriel, tout en mouvement – gestes des bras, ailes frémissantes, draperies agitées – est d’inspiration baroque.
L’Annonciation se déroule dans la chambre de la Vierge, décor de la vie quotidienne, qui a son origine dans l’art des écoles du Nord, les artistes italiens ayant, eux, fréquemment situés la scène dans des palais. Le lieu cité par l’évangile de Luc et les apocryphes est la maison de Nazareth. La Vierge semble avoir interrompue ses activités féminines – filage, tissage, couture – pour prier. Selon le récit du Protévangile de Jacques (11, 1), elle tisse la pourpre destinée au voile du temple. Un dévidoir s’aperçoit dans le fond de la pièce, il préfigure la croix. Le nuage sur lequel l’ange apparaît agenouillé est lié à la pensée des théologiens du concile de Trente. Quant au lys, symbole de la pureté et de la virginité de la Vierge, c’est à Florence qu’il s’est substitué au sceptre à partir du 16^e siècle. La corbeille à ouvrage avec un linge, motif souvent représenté dans l’Annonciation, est peut-être une préfiguration du suaire.