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L’art au Moyen Âge

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Scène de dédicace au roi Charles VI
Scène de dédicace au roi Charles VI

© Bibliothèque nationale de France

Scène de dédicace au roi Charles VI

Réponses à Charles VI et Lamentations

Pierre le Fruitier, dit Salmon, rédigea vers 1409 à l’intention de Charles VI un curieux recueil qui tient à la fois, pour la première partie, d’un « miroir des princes », ces traités sous forme de dialogue entre le roi et l’auteur sur les qualités nécessaires pour bien gouverner, et, pour la seconde partie, du récit autobiographique, les Lamentations.

Le manuscrit de Paris, reproduit ici, semble être un exemplaire de présentation au roi à en juger d’après la qualité de la calligraphie et de la décoration, due en partie, et notamment pour cette scène de dédicace, à l’un des plus grands artistes de l’époque, le Maître des Heures du maréchal de Boucicaut. En tête du dialogue entre le roi et Salmon, elle représente l’auteur agenouillé remettant à Charles VI le manuscrit de son œuvre en présence de deux courtisans, dont celui de droite, avec sa houppelande noire semée de rabots et de niveau, est certainement identifiable avec le duc de Bourgogne Jean sans Peur. Cousin germain du roi fou, il le tenait sous sa coupe depuis qu’il avait éliminé sauvagement son rival Louis d’Orléans, frère du roi en 1407.

Le roi trône, à gauche, avec tout l’apparat convenant à sa dignité royale. Il est assis sous un dais où alternent, avec les fleurs de lis de France, les quatre couleurs de sa « devise » : blanc, vert, noir et vermeil, chacune de ces couleurs comportant la représentation d’un de ses emblèmes, la branche de genêt, les plumes de paon, la devise « james » (jamais) et la branche de « mai » (hêtre). Un autre emblème personnel du roi est le paon de face faisant la roue, répété sur la tenture rouge contre laquelle est adossé le trône royal. Tendant son livre de la main gauche, Salmon tient dans l’autre main un phylactère où l’on déchiffre une inscription latine : Viscera tua replebuntur volumine isto (Tes entrailles seront rassasiées par ce livre), tirée du prophète Ézéchiel (Ill, 3).

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© Bibliothèque nationale de France

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L’enluminure est l’une des formes les plus caractéristiques de l’art médiéval, mais il en existe bien d’autres. Le terme d’« art » possède d’ailleurs un sens différent de celui que nous lui donnons aujourd’hui. En effet, il n’y a pas, durant le Moyen Âge, de distinction entre l’artiste et l’artisan.

Le travail artistique

Des œuvres de commande

Une bonne partie de la production artistique du Moyen Âge est constituée d'œuvres de commande : commandes privées émanant de rois, princes, seigneurs, riches bourgeois ou ecclésiastiques, commandes collectives émanant essentiellement de l'Église ou des confréries. Ces dernières ont, durant des siècles, fourni du travail aux architectes, sculpteurs, orfèvres ou verriers engagés dans la construction d'église ou de cathédrales et dans la fabrication des objets du culte.

Louis IX et Jeanne de Bourgogne commandent le livre

Louis IX et Jeanne de Bourgogne commandent le livre

Miroir historial de Vincent de Beauvais traduit par Jean de Vignay

Jean de Vignay, religieux hospitalier de l’ordre de Saint-Jacques-du-Haut-Pas, a traduit du latin en français de nombreux textes à l’intention du roi Philippe VI de Valois, de sa première femme Jeanne de Bourgogne et de leur fils, Jean, duc de Normandie, le futur Jean le Bon. En 1332, il achève pour la reine une traduction du Speculum historiale de Vincent de Beauvais, encyclopédie historique que celui-ci avait composée au siècle précédent, à la demande du roi Saint Louis.

C’est le rôle des deux personnages royaux qui est mis en valeur dans cette double miniature qui illustre le prologue du premier volume de la traduction de Jean de Vignay, dans un exemplaire qui paraît avoir été celui de Jeanne de Bourgogne.

À gauche, Louis IX, en manteau royal couronné et nimbé, tient dans la main droite le sceptre royal. Il pénètre dans l’étude où travaille Vincent de Beauvais, assis dans une cathèdre à pupitre amovible. Le dominicain semble marquer un geste de surprise à la vue de son prestigieux visiteur, tout en acceptant de rédiger son encyclopédie historique. À droite, la reine Jeanne de Bourgogne, dont les armes, losangées de France et de Bourgogne, tapissent le fond de la miniature, demande à Jean de Vignay de traduire en français l’œuvre de Vincent de Beauvais. Les deux manuscrits juxtaposés sur le pupitre semblent indiquer que la traduction est déjà en cours. Dans les deux scènes, deux huissiers brandissant leur masse canalisent avec peine la foule attirée par le cortège royal.

Contrairement aux classiques scènes de dédicace, Saint Louis et Jeanne de Bourgogne ne se contentent pas de recevoir passivement un livre. Ils apparaissent comme les commanditaires actifs. Jeanne de Bourgogne était la petite-fi ! le de Saint Louis et c’est peut-être pour souligner ce lien et renforcer ainsi la légitimité contestée de son mari dans la succession dynastique, que Jeanne de Bourgogne a tenu à se faire ainsi représenter en pendant à son aïeul.
Les personnages des deux miniatures ont été fortement retouchés au 15e siècle.

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Louis IX et Jeanne de Bourgogne commandent le livre |

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Du fait de ce rapport économique le plus souvent formalisé par un contrat, l'artiste doit tenir compte des exigences du commanditaire, de ses désirs autant que de ses possibilités financières. De plus, donateurs ou commanditaires laissent souvent leur marque sur l'œuvre dont ils sont fiers d'avoir rendu possible l'exécution. C'est ainsi que sur les façades des églises figure souvent le nom des commanditaires aux côtés de celui des artistes. De même, les manuscrits enluminés portent, à partir du 10e siècle, le nom de leur commanditaire.

Des maîtres d'ouvrage

Un autre aspect du travail de l'artiste est la nécessité de se procurer lui-même les matières premières. Ainsi certains artistes doivent-il organiser, avant le travail en atelier, un véritable chantier pour extraire la pierre des carrières ou les métaux de la mine. Les architectes étaient, à l'époque, des maîtres d'ouvrage tout autant que des concepteurs.

Charles V protecteur des lettres

Charles V protecteur des lettres

Le Policratique de Jean de Salisbury

Le Policraticus de Jean de Salisbury, secrétaire de Thomas Becket puis évêque de Chartres de 1176 à 1180, est un traité de réflexion et de morale politique rédigé en 1159. Charles V en assura la diffusion en chargeant le franciscain Denis Foulechat de le traduire en français. Une partie importante de cette œuvre fustige les vices et les frivolités de la vie de cour que l’auteur connaissait bien pour avoir fréquenté celle de Henri II Plantagenêt. On peut ainsi y lire qu’« un roi sans instruction est comme un âne couronné ». A contrario, Charles V incarne un roi lettré, que Denis Foulechat compare au roi Salomon dans le prologue de sa traduction.

La miniature qui illustre l’exemplaire remis à Charles V montre à quel point le souverain s’impliquait dans son rôle de mécène et de protecteur des lettres. Ce n’est en effet ni l’auteur ni le traducteur qui sont représentés dans cette peinture mais le commanditaire en personne. Vêtu du manteau royal et couronné, le roi est assis dans une cathèdre en bois sculpté surmontée d’un dais devant une « roue », meuble à plateau circulaire pivotant sur un axe qui permettait de consulter rapidement plusieurs livres. Le roi médite dans l’intimité de sa « librairie ». Sur le livre ouvert devant lui apparaît un passage biblique tiré du livre de l’Ecclésiastique (XIV, 22) : « Beatus vir qui in sapientia morabitur et in justitia [sua meditabitur]. » (« Heureux l’homme qui persévère dans la sagesse et qui pense en son cœur à l’œil de Dieu qui voit tout. ») La main céleste qui le bénit souligne l’intention de représenter Charles V comme instrument de la volonté divine et représentant de Dieu sur Terre.

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Charles V protecteur des lettres |

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L'apprentissage du métier se fait souvent en famille. À partir du 13e et surtout du 14e siècle, des corporations se forment réunissant tous les membres d'un même métier : maîtres, apprentis, salariés. L'artiste du Moyen Âge ne se définit donc pas par son statut puisqu'il peut être aussi bien maître d'un atelier que salarié. Il est, avant tout, un professionnel qui maîtrise une technique.

L'artiste de cour

Ce n'est qu'à la fin du Moyen Âge qu'apparaît un autre genre d'artiste : l'artiste de cour. Le plus souvent poète, musicien ou enlumineur, il est au service exclusif d'un roi et de sa cour. Il jouit d'une plus grande sécurité que l'artiste indépendant, dont il ne connaît pas les difficultés économiques.

La production

Pendant des siècles, et notamment tout au long du Moyen Âge, la production artistique a été profondément marquée par le christianisme.

L'Antiquité tardive (3e-5e siècles)

À cette époque sont surtout fabriqués des objets funéraires – sarcophages au décor représentant des thèmes de la foi – et des lieux de culte. Parmi ceux-ci figurent les fameuses basiliques, notamment romaines, ornées de mosaïques : Saint-Jean-de-Latran, Sainte-Sabine, Sainte-Marie-Majeure.

Le Haut Moyen Âge (5e-9e siècles)

Calice prémérovingien

Calice prémérovingien

Orfèvrerie burgonde

Trouvé près de Gourdon en 1845.

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Calice prémérovingien |

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C'est l'époque des grandes invasions barbares dont on retrouve l'influence sur la production artistique, peu abondante. Les Saxons et les Vikings excellaient dans le travail des émaux, de l'or et des métaux, notamment du bronze, avec lesquels ils fabriquaient armes et bijoux.

L'influence anglo-celtique, aux entrelacs caractéristiques et aux décors d'animaux, se retrouve sur les sculptures de pierre, notamment les croix, et sur les enluminures. Le Haut Moyen Âge marque d'ailleurs les débuts de l'enluminure irlandaise et italienne.

L'époque carolingienne (9e-10e siècles)

Le fantassin

Le fantassin

Jeu d'échecs dit « de Charlemagne »
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Le fantassin |

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Le rayonnement de l'Empire de Charlemagne entraîne un regain d'activités artistiques, après l'appauvrissement de la période précédente. L'architecture connaît une très grande activité : cloîtres, chapelles et cathédrales (notamment celles de Reims, de Noyon, de Cambrai) sont édifiés d'un bout à l'autre de l'Empire.

La production de livres enluminés, rehaussés de reliures de grande qualité, s'accroît avec le développement de l'écriture.

L'orfèvrerie, la sculpture sur bronze et surtout la sculpture sur ivoire fournissent une abondante production d'objets profanes ou religieux : croix, bijoux, autels, statuettes, coffrets, reliures.

L'art roman (11e-12e siècles)

Trône dit « de Dagobert »

Trône dit « de Dagobert »

Le Trône dit « de Dagobert », en bronze, est mentionné pour la première fois par Suger, le célèbre abbé de Saint-Denis qui entreprend de reconstruire l'abbaye vers 1130. En faisant restaurer ce siège qu'il a trouvé disloqué et en l'identifiant comme ayant appartenu à Dagobert, fondateur de l'abbaye au 7e siècle, il entend mettre en valeur l'ancienneté de l'abbaye et ses liens étroits avec la monarchie française.

Le trône est constitué de deux parties distinctes : un siège, à l'origine pliant, rendu fixe probablement au 19e siècle, qui était complété par de larges bandes de cuir, aux montants en forme de protomés de panthères à décor gravé. Un dossier et deux accoudoirs en bronze, ajourés, ont été ajoutés postérieurement. L'appartenance à Dagobert est donc largement sujette à caution et la date du pliant reste très controversée. On retrouve des trônes comparables, à protomés de fauves, sur des enluminures carolingiennes. Le dossier et les accoudoirs sont datables de la seconde moitié du 9e siècle. Les rinceaux des accoudoirs peuvent se comparer à des décors d'ivoires ou d'enluminures des ateliers de Charles le Chauve.

Cependant la valeur mythique de ce trône restera longtemps considérable : transporté à la Bibliothèque nationale en 1791, il fut encore utilisé par Napoléon qui, assis sur ce trône, distribua les premières Légions d'honneur au camp de Boulogne en 1804.

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Trône dit « de Dagobert » |

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Toute la production artistique de cette époque tend à inciter les fidèles à vivre, au quotidien, selon les principes de l'Évangile. Ceux-ci doivent donc être largement diffusés.

La construction d'églises se multiplie. Les églises romanes, accueillantes, sont caractérisées par leurs voûtes en pierre et leurs arcs en plein cintre (en demi-cercle), par un chevet (extrémité extérieure de l'église) à déambulatoire (galerie en demi-cercle permettant aux fidèles de circuler), par des ouvertures en forme d'arcs offrant des jeux d'ombre et de lumière.

La sculpture monumentale apparaît : les chapiteaux (partie élargie au sommet d'une colonne) des églises sont largement décorés, notamment d'animaux et de personnages le plus souvent bibliques, les portails sont sculptés.

L'art du vitrail, représentant des scènes de la Bible, et la peinture murale d'inspiration paléo-chrétienne font leur apparition.

Les objets liturgiques (reliquaires, calices, encensoirs) brillent de tout leur or tandis que le marbre, la pierre ou le bois sont utilisés pour fabriquer le mobilier d'église.

L'art gothique (13e-15e siècles)

 Notre Dame de Paris

 Notre Dame de Paris

Photographies positives
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 Notre Dame de Paris |

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Avec l'essor des universités et la diffusion des connaissances, notamment par le biais des encyclopédies, on assiste à un renouveau intellectuel et culturel qui s'exprime également sur le plan artistique. De nouvelles formes architecturales apparaissent dont l'Abbaye royale de Saint-Denis en est la plus célèbre représentation. L'arc brisé remplace l'arc en demi-cercle. La croisée d'ogives (partie de la voûte où se croisent deux arcs brisés) et l'arc-boutant (maçonnerie en forme d'arc soutenant une voûte de l'extérieur) sont les techniques caractéristiques de l'architecture gothique. Elles permettent d'élever les voûtes des cathédrales à des hauteurs jamais atteintes. Le portail à statues-colonnes apparaît.

Le vitrail, dont les couleurs influencent les enluminures de cette époque, devient un art majeur. La peinture sur bois et la fresque, d'inspiration religieuse, se développent surtout en Italie, avec des artistes comme Giotto, peintre des fresques de la Basilique Saint-François d'Assise, et Cimabue.

À la fin du Moyen Âge, l'art gothique se fait flamboyant : des décors de flamme viendront s'ajouter à la grande richesse des décors.

Provenance

Cet article provient du site Le livre de chasse de Gaston Phebus.­­

Lien permanent

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