Degas, un classique très moderne

Des débuts très classiques

C’est en 1834, alors que la France connaît une certaine libéralisation politique avec la monarchie de Juillet de Louis-Philippe, qu’Edgar Degas voit le jour à Paris. Fils de banquier, il appartient à la bonne bourgeoisie de l’époque et fait ses classes au collège Louis-le-Grand. Il s’y lie avec deux condisciples qui deviendront les amis d’une vie : Ludovic Halévy et Paul Valpinçon. Parallèlement à ses études, le jeune Edgar se rend régulièrement au musée du Louvre, ayant la chance d’avoir un père grand amateur d’art.

Celui-ci n’a aucune difficulté à lui transmettre sa passion du dessin et de la peinture. En 1853, à peine son baccalauréat en poche, Degas demande en effet l’autorisation de copier au Louvre, avant d’apprendre son métier avec le peintre Félix-Joseph Barrias. Désormais, il travaille le matin dans l’atelier de son professeur, et le soir, se rend au musée où il peut à loisir admirer et étudier les tableaux des maîtres.

Admis en 1855 à l’École des beaux-arts, il poursuit sa formation auprès de Louis Lamothe, un ancien élève de Jean-Auguste-Dominique Ingres – lequel constitue pour lui le modèle absolu, notamment parce qu’il accorde la première place au dessin. Il observe ainsi scrupuleusement ses recommandations de faire « des lignes, beaucoup de lignes, d’après nature et de mémoire »¹.

Agrandir

Fermer

Jeune homme assis au béret de velours

Accéder à la notice de l'image

Bibliothèque nationale de France

Agrandir

Fermer

Jeune homme assis et réfléchissant, d’après Rembrandt

Accéder à la notice de l'image

Bibliothèque nationale de France

Peu après, de 1856 à 1859, Degas séjourne en Italie pendant presque trois ans – « l’époque la plus extraordinaire de [s]a vie »², confiera-t-il rétrospectivement. Il réalise des dizaines de copies au musée de Capodimonte, à Naples – où réside une partie de sa famille paternelle –, visite longuement Rome en copiant à nouveau abondamment dans les églises et les différentes galeries de peinture, puis habite à Florence, où il fréquente à de nombreuses reprises le musée des Offices. Il se rend encore à Pérouse, Assise, Sienne, Pise… S’il admire, comme Ingres, le « pinceau divin » de Raphaël, il sait aussi s’émanciper et se montre très sensible à Giotto, Mantegna et Véronèse³, autant d’artistes qui n’entraient alors pas dans le canon académique. C’est également lors de ce séjour cisalpin que Degas, grâce au graveur Joseph Tourny rencontré sur place, se familiarise avec les eaux-fortes de Rembrandt qui le marquent durablement et l’incitent à s’initier à cette technique.

L’alter ego d’Édouard Manet

Il s’applique ainsi à graver au Louvre, directement sur une plaque de cuivre, le Portrait de l’infante Marguerite de Vélasquez. Ce serait devant le tableau de l’Espagnol, en 1862, qu’il aurait fait la connaissance de celui qui allait devenir son alter ego, son meilleur rival : Édouard Manet. Partageant vocation artistique et aspirations esthétiques, les deux jeunes gens sympathisent d’autant plus vite qu’ils sont issus du même milieu social et fréquentent les mêmes cercles : Manet se rend aux lundis musicaux du père de Degas, Degas fréquente les jeudis de la mère de Manet, le salon des parents Morisot les accueille tous deux… Bourgeois, certes, mais avant tout artistes, ils aiment également se retrouver avec leurs pairs dans les cafés, alors essentiels à la vie sociale parisienne : le café Guerbois, grande rue des Batignolles, est leur premier repaire, ensuite supplanté par La Nouvelle-Athènes, place Pigalle.

Le milieu des années 1860 voit Degas faire son entrée au Salon, début obligé pour tout jeune peintre. Il y présente Scène de guerre au Moyen-Âge (1865, Paris, musée d’Orsay), un tableau historique qui atteste bien son ancrage dans la tradition. Aux éditions suivantes, toutefois, il envoie des toiles à sujet moderne – Scène de Steeple-chase (1866, New York, The Metropolitan Museum of Art), Mlle E[ugénie] F[iocre]… (1868, New York, Brooklyn Museum) – ou des portraits, tels Mme Théodore Gobillard (1869, New York, The Metropolitan Museum of Art) et Mme Camus en rouge (1870, Washington, National Gallery of Art). Mais les conditions d’exposition et l’étroitesse d’esprit du jury le laissent insatisfait. Et, alors qu’il délaisse les grands tableaux d’histoire de ses débuts – tels Jeunes Spartiates s’exerçant à la lutte (v. 1860, Londres, National Gallery) ou Sémiramis construisant Babylone (1861, Paris, musée d’Orsay) –, pour se consacrer de plus en plus à une peinture de son temps et de sa société, il décide de tourner le dos à l’institution.

Agrandir

Fermer

Scène de guerre au Moyen Âge

Accéder à la notice de l'image

Photo (C) Musée d'Orsay, Dist. RMN-Grand Palais / Patrice Schmid

Agrandir

Fermer

 Madame Théodore Gobillard

Accéder à la notice de l'image

Domaine public

Mais Paris, bientôt, est assiégé par les Prussiens. Dès septembre 1870, Degas s’enrôle comme volontaire dans la Garde nationale et prend part à la défense des fortifications. Lors de cet épisode tragique, il se rend compte qu’il souffre de graves problèmes oculaires, qu’il ressent particulièrement lorsque la lumière est vive. Est-ce pour se remettre du traumatisme de la guerre et de la défaite qu’en octobre 1872, il part pour La Nouvelle-Orléans ? Le changement de pays, les retrouvailles avec une partie de sa famille installée outre-Atlantique lui procurent en tout cas un ressourcement bienvenu. Il y peint notamment Un bureau de coton à La Nouvelle-Orléans (1873, Pau, musée des Beaux-Arts), qui devient le premier de ses tableaux à entrer dans une collection publique française.

Agrandir

Fermer

Carnet n°4

Pour croquer une composition, relever un geste, ou bien noter une idée, le carnet s’avère l’outil idéal de l’artiste. De tous les impressionnistes, Degas fut celui qui en fit le plus usage, puisqu’il n’en utilisa pas moins de trente-huit, conservés en grande partie à la Bibliothèque nationale de France. Les dessins qui s’y trouvent renvoient souvent à des œuvres qu’il admire dans les musées, mais aussi à des anonymes qu’il observe au gré de ses promenades. Ici, il représente l’un de ses motifs de prédilections : le jockey sur son cheval.

Accéder à la notice de l'image

Bibliothèque nationale de France

Un impressionniste singulier

De retour à Paris et souhaitant plus que jamais la tenue d’une manifestation « réaliste », il entreprend de convaincre plusieurs confrères de s’associer :

C’est ainsi que le 15 avril 1874, au 35 boulevard des Capucines, dans les anciens ateliers du photographe Nadar, s’ouvre la « première exposition » de la Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs, passée à la postérité sous le nom de 1^re exposition impressionniste. Degas y expose dix œuvres, dont Examen de danse (1874, New York, The Metropolitan Museum of Art) et Aux courses, en province (1869, Boston, Museum of Fine Arts), qui annoncent deux thématiques centrales dans son œuvre – la seconde étant d’ailleurs favorisée par son amitié avec Paul Valpinçon, dont la famille possède dans l’Orne une propriété située près d’un haras et d’un champ de courses.

Agrandir

Fermer

Examen de danse

Accéder à la notice de l'image

Domaine public

Si la manifestation donne lieu à des quolibets et à de virulentes critiques, il tire néanmoins son épingle du jeu. N’étant pas davantage réalisée sur le motif (Degas a des mots très durs à l’égard du travail en plein air) qu’exécutée dans une touche fraîche et enlevée (comme la pratique, par exemple, un Claude Monet), sa peinture apparaît en effet d’emblée comme une expression singulière de l’impressionnisme, très éloignée de l’innocence et de la spontanéité revendiquées par ses confrères. Tout, au contraire, y est réfléchi, pesé, calculé :

Très investi dans les expositions du groupe, jusqu’à la dernière qui eut lieu en 1886, Degas incarne ainsi le versant citadin, urbain de l’impressionnisme. Sans jamais oublier la leçon des maîtres anciens, il s’attache à rendre compte de la vie de ses contemporains, dans toute sa modernité et sa spécificité. Plus qu’aucun autre, il fait dans son art une large place aux réalités incontournables de la société du dernier tiers du 19^e siècle, que ce soit la prostituée qui guette le client en terrasse (Femmes à la terrasse d’un café, 1877, Paris, musée d’Orsay), la chanteuse qui harangue de toute sa gouaille le public d’un café-concert (La Chanson du chien, 1876-1877, collection particulière), la modiste qui propose des chapeaux à la grande bourgeoise (Chez la modiste, v. 1885, Chicago, The Art Institute) ou le jockey qui chevauche sa monture sur l’hippodrome (Le Défilé, 1866-1868, Paris, musée d’Orsay). Tous ces sujets, Degas les traite avec la même attention, la même dignité qu’il accordait aux peintures historiques de sa jeunesse, sans jamais céder à la facilité de l’anecdote ou du détail pittoresque, mais au contraire en adoptant une manière, un style aussi audacieux et novateur que le thème choisi, privilégiant cadrages inédits (empruntés tant au japonisme qu’à la photographie) et couleurs le plus souvent éclatantes.

Le peintre des danseuses et des baigneuses

Grâce à son ami Ludovic Halévy, librettiste de Jacques Offenbach et de Georges Bizet, il a pu rapidement pénétrer dans le monde du spectacle et rencontrer compositeurs et interprètes. Très certainement le plus mélomane des impressionnistes, Degas portraiture ainsi plusieurs musiciens, tels le violoncelliste Louis-Marie Pilet (1869, Paris, musée d’Orsay) ou le bassoniste Désiré Dihau (L’Orchestre de l’Opéra, 1870, Paris, musée d’Orsay). La musique lui fournit également deux clients de choix : le célèbre baryton Jean-Baptiste Faure et l’avocat Paul Poujaud, ami de Paul Dukas et Gabriel Fauré, qui se montre l’un de ses plus fervents admirateurs. Mais lorsqu’il s’agit de créer, c’est du côté des petits rats de l’Opéra que Degas regarde avant tout.

Le motif de la danse est en effet de très loin celui qui l’occupe le plus, représenté dans pas moins de 1500 dessins, peintures, pastels et sculptures, soit la moitié de son œuvre de maturité. Usant de raccourcis hardis et de perspectives étonnantes, il aime à montrer l’envers du décor : moins la chorégraphie sur scène que les coulisses où les danseuses s’échauffent ou se reposent. Cette obsession pour les ballerines a pu intriguer ses contemporains. Comme sa mécène américaine Louisine Havemeyer lui en demandait la raison, il l’expliqua par le fait que la danse était « tout ce qu’il [leur] rest[ait] de l’harmonie corporelle instituée par les Grecs » ; quant à son marchand Ambroise Vollard, il se vit répondre :

C’est encore le mouvement, l’architecture du corps qui sont au centre de ses préoccupations dans l’éblouissante suite de nus qu’il dessine au pastel à partir du milieu des années 1880 – une technique qu’il porte, d’ailleurs, à des sommets inégalés. Parce que la femme à sa toilette y apparaît sous tous les angles et dans des positions parfois peu avantageuses, on a eu tôt fait d’accuser Degas de misogynie. Célibataire endurci et chaque année un peu plus misanthrope, le peintre pouvait en effet prêter le flanc aux critiques. Pourtant, le journaliste Gustave Geffroy fut certainement le plus avisé lorsqu’il compara son art à un « traité de zoologie »⁴, sous-entendant par-là que la grille du genre ne permettait pas de comprendre le but poursuivi. Si « la formule académique ou mondaine » du nu est clairement rejetée, c’est que Degas entend montrer la femme telle qu’elle est – et non telle que l’homme la désire.

Agrandir

Fermer

Femme à sa toilette

Montrant, comme l’écrit Gustave Geffroy, « la femme qui ne se sait pas regardée, telle qu’on la verrait, caché par un rideau, ou par le trou d’une serrure », Degas nous donne ici accès à un rare moment d’intimité féminine, où le modèle, après avoir pris son bain,  sèche vigoureusement sa chevelure rousse avec une serviette. Les tons jaunes et orangés, en même temps que le velouté de la touche, confèrent à la scène une chaleur extraordinaire et rappellent combien l’artiste fut un maître du pastel. Auteur de plus de sept cent feuilles avec ce médium, Degas est incontestablement le plus grand pastelliste de son temps.

Accéder à la notice de l'image

CC0 Public Domain Designation

Agrandir

Fermer

La toilette

Accéder à la notice de l'image

Bibliothèque nationale de France

Un peintre qui sculpte

Cependant sa vue, qu’il avait toujours eu mauvaise, se dégrade beaucoup. S’il expose en 1892 de très inattendus monotypes de paysages chez Paul Durand-Ruel (sa toute première exposition individuelle), il se retranche de plus en plus dans son atelier. Il s'essaye à la photographie, mais c’est bien la sculpture, à laquelle il s’est livré dès la fin des années 1860 avec le motif du cheval, qui l’accapare désormais : danseuses et femmes au tub sont cette fois modelées en cire ou en terre.

Agrandir

Fermer

La Petite Danseuse de quatorze ans

Seule sculpture exposée du vivant de Degas, La Petite Danseuse de quatorze ans est montrée à la 6^e exposition impressionniste. Préparée par une quinzaine d’études au fusain, l’œuvre frappe d’emblée par l’impression de réalité qu’elle dégage : le corsage, la jupe, les bas et les chaussons de ballet, tout est authentique. Même les cheveux nattés sont vrais. Mais c’est moins cet hyperréalisme avant l’heure qui choque que la physionomie de l’adolescente. Un critique évoque le « type de l’horreur et de la bestialité », un autre le « museau vicieux de cette fillette à peine pubère ». Derrière ces réactions se lit l’intérêt des contemporains pour la physiognomonie. Degas en était pleinement conscient, puisqu’il présente sa sculpture dans une vitrine, faisant de sa danseuse un quasi spécimen de muséum d’histoire naturelle.

Accéder à la notice de l'image

Washington, National Gallery of Art, Licence ouverte Etalab

Agrandir

Fermer

La Petite Danseuse de quatorze ans

Seule sculpture exposée du vivant de Degas, La Petite Danseuse de quatorze ans est montrée à la 6^e exposition impressionniste. Préparée par une quinzaine d’études au fusain, l’œuvre frappe d’emblée par l’impression de réalité qu’elle dégage : le corsage, la jupe, les bas et les chaussons de ballet, tout est authentique. Même les cheveux nattés sont vrais. Mais c’est moins cet hyperréalisme avant l’heure qui choque que la physionomie de l’adolescente. Un critique évoque le « type de l’horreur et de la bestialité », un autre le « museau vicieux de cette fillette à peine pubère ». Derrière ces réactions se lit l’intérêt des contemporains pour la physiognomonie. Degas en était pleinement conscient, puisqu’il présente sa sculpture dans une vitrine, faisant de sa danseuse un quasi spécimen de muséum d’histoire naturelle.

Accéder à la notice de l'image

Washington, National Gallery of Art, Licence ouverte Etalab

Parallèlement, toujours aussi sujet à l’enthousiasme et à l’admiration pour le génie d’autrui, il enrichit sa collection personnelle en acquérant des œuvres d’Ingres, de Delacroix ou du Greco, mais surtout des tableaux de ses confrères de l’avant-garde : Gauguin, Cézanne et Manet, dont la mort prématurée l’a laissé bien orphelin. Bientôt quasi aveugle, et donc condamné à l’inaction, il s’éteint à son tour le 27 septembre 1917, à l’âge de 83 ans, des suites d’une congestion cérébrale.