À la redécouverte de Marivaux

Le chantre du badinage

Marivaux a beaucoup souffert du « marivaudage ». Le mot est apparu de son vivant puisqu’on le trouve, connoté négativement, en 1739, dans une lettre de Mme de Graffigny. Or le marivaudage n’est plus conçu comme le signe de l’artificiel et du précieux, de l’écriture alambiquée, de l’élégant badinage. Certes, Marivaux fut refusé à l’Académie française en 1736 en ces termes :

Il est vrai qu’il usait d’expressions néologiques : mais qui s’indignerait de nos jours devant scélératesse, fictivement, mettre en valeur ? Ses contemporains lui ont reproché d’avoir inventé tomber amoureux, mais l’invention en est due à Regnard, une trentaine d’années plus tôt. En réalité, Marivaux est bien l’inventeur d’une langue nouvelle, un langage dramatique qui cherche à rendre compte au plus près des méandres des sentiments. Le marivaudage, fonctionnant à partir de reprises de mots avec léger déplacement de sens ou d’accent, est un outil d’investigation psychologique.

Il peut par exemple servir à montrer l’esprit d’une suivante (« M. ORGON. – c'est qu'il faudrait  que tu lui dises un peu qui tu es. LISETTE. – Mais si je le lui dis un peu, il le saura tout à fait »), la mauvaise foi d’une infidèle (« LISETTE. - Est-ce que vous ne l’aimez plus ? LA COMTESSE. – Qu’appelez-vous "plus" ? ») ; il permet à une confidente de préparer sa maîtresse, jeune veuve, à un nouvel amour (« LA MARQUISE. - J’ai tout perdu, vous dis-je. LISETTE.- Tout perdu ! Vous me faites trembler : est-ce que tous les hommes sont morts ? »).

Dans le théâtre de Marivaux, les amoureux, terrorisés à l’idée qu’ils puissent avouer leur amour sans savoir s’il sera réciproque, se livrent une sorte de combat par le truchement des mots ; chacun essaie d’amener l’autre à se déclarer, si bien que la plupart des pièces d’amour de Marivaux se terminent par un aveu qui se situe au niveau de la communication non verbale, comme un agenouillement ou une rougeur. Le langage des corps est désormais mieux appréhendé chez ce dramaturge, qui a examiné tous les stratagèmes de l’amour-propre, qu’il s’agisse des regards (« Avec deux yeux ne dit-on pas ce que l’on veut ? ») ou des déplacements (« Feignons de sortir afin qu’il m’arrête »).

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Madame de Graffigny

Recueil de portraits gravés au trait

Née d’Issembourg du Buisson d’Happoncourt, Françoise de Graffigny est mariée à un homme brutal bientôt emprisonné. Après avoir connu la Lorraine auprès de Voltaire et d’Émilie Du Châtelet, elle s’installe à Paris en 1739 et fréquente le monde littéraire et les philosophes. Veuve à la situation précaire, elle se lance comme écrivain avec les Lettres d’une Péruvienne (1747) qui connaît un immense succès. Elle ouvre alors un salon important, fréquenté par Marivaux, l’abbé Prévost, Rousseau, Turgot, Helvétius... Sa première pièce de théâtre, Cénie (1750) est un triomphe, avec vingt-cinq représentations. La pièce est reprise trente-deux fois entre 1754 et 1760. Mme de Graffigny est célèbre et regardée. Sa seconde œuvre théâtrale, La Fille d’Aristide, créée en avril 1758, lui vaut des critiques désastreuses de Grimm. Voltaire tente de la réconforter, malgré le différend qui les avait opposés par le passé. Il l’invite à négliger « cette multitude qui juge au hasard de tout, qui élève une statue pour lui casser le nez ». Mais Françoise de Graffigny meurt quelques mois plus tard, et tombe dans l’oubli jusqu’à sa redécouverte dans les années 1960.

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La salle des séances d’une académie

Étienne Gantrel d’après Pierre Paul Sevin, 1689

Cette gravure est une vignette figurant en tête de l’Histoire du règne de Louis Le Grand par les médailles, emblèmes, devises, jetons, inscriptions, armoiries et autres monuments publics, de Claude-François Ménestrier (1689). L’assemblée siège sous un trône vide et le portrait de Louis XIV. Depuis 1670, les pièces de monnaie portent l’inscription « gloriam regni tui dicent ». Il s’agit d’une citation du psaume 144 : « Ils diront la gloire de ton règne ». S’agit-il de l’Académie française ou de l’Académie des Inscriptions, que l’on appelait encore « Petite Académie » ? Les deux avaient en tout cas pour mission de servir la gloire du roi.

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Une oeuvre ouverte à l'interprétation

Sur le plan de l’interprétation de son œuvre, les commentateurs et metteurs en scène ont pu faire de lui un précurseur de Sade, un révolutionnaire ou un réactionnaire, un moraliste catholique ou un simple spectateur de la condition humaine. Mais Marivaux est plutôt un militant de l’humanisme, qui œuvre pour plus de sociabilité, ce qui transparaît particulièrement dans ses Journaux (Le Spectateur français, L’Indigent philosophe, Le Cabinet du philosophe). Même dans L’Ile des esclaves qui a parfois été interprétée comme une œuvre subversive, les esclaves Arlequin et Cléanthis choisissent à la fin le pardon plutôt que la vengeance. Si Marivaux ne propose pas un théâtre didactique ou polémique, c'est que son objet n’est ni de condamner, ni de justifier, mais de comprendre ; le comique si particulier qui se dégage de ses pièces vient notamment du fait que le dramaturge refuse toute systématisation.

De nos jours, Marivaux fait partie des auteurs français les plus joués. On peut accentuer la face sombre de son œuvre, comme dans Le Prince travesti, mis en scène par Jean-Louis Martinelli en 1988, où Frédéric se pendait à la fin, ou comme dans La Fausse Suivante, selon Yves Beaunesne, en 2000, qui se terminait de manière sinistre. A l’opposé, de nombreuses troupes montent Marivaux dans l’esprit du Théâtre Italien, renforçant l’héritage de la commedia dell’arte, faisant la part belle aux lazzi d’Arlequin, aux mimes, aux chants. On ne peut que se réjouir de la variété des approches qui témoigne de la vitalité de Marivaux dramaturge et de l’intérêt qu’il suscite toujours.

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L’épreuve mise en scène de Jean-Pierre Miquel

L’Epreuve est la dernière pièce de Marivaux pour le théâtre des Italiens, son actrice fétiche, Silvia, joue encore une fois le premier rôle. Son succès lors de sa création en 1740 ne s’est pas démenti jusqu’à aujourd’hui.

Jean-Pierre Miquel, qui a mis en scène L’Epreuve explique ainsi l’engouement pour Marivaux : « On a beaucoup joué Marivaux ces dernières années ; c’est probablement pour son écriture unique et exemplaire, mais aussi parce que comme aurait dit Cocteau — il traite des questions graves avec une apparente légèreté, par courtoisie... envers le genre humain. » (note d’intention, théâtre de l’Orient, 1988, Lorient)

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La Double Inconstance mise en scène par Bernard Murat au théâtre de l’Atelier

La Double Inconstance est l’histoire du rapt d’une jeune paysanne, Silvia (Emmanuelle Béart), par un prince. Arlequin (Daniel Auteuil) amoureux de Silvia s’introduit au château. De fil en aiguille, Silvia tombe amoureuse du prince, et Arlequin de Flaminia (Denise Chalem), fille d’un domestique au service du prince.

Au 19^e siècle, La Double Inconstance de Marivaux n’est presque plus jouée, à vrai dire, seul Le Jeu de l’amour et du hasard continue d’être monté. L’ensemble de l’œuvre théâtrale de Marivaux est progressivement redécouverte à partir des années 1920 puis tout au long du 20^e siècle.

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© Bibliothèque nationale de France / Daniel Cande

Mais il est un autre Marivaux encore méconnu : un Marivaux burlesque, qui s’est essayé avant d’être connu (il avait tout de même vingt-cinq ans) à la parodie et au travestissement. Il n’a été révélé qu’en 1972 grâce à l’édition de ses œuvres de jeunesse. Son Télémaque travesti récrit le Télémaque de Fénelon sur le mode d’un réalisme paysan. En 1716, il publie L’Homère travesti ou l’Iliade en vers burlesques, prenant ainsi part à la deuxième querelle des Anciens et des Modernes : ouvertement « moderne », il défigure L’Iliade en jouant la provocation scatologique : « Sans m'arrêter j'ai dit, fripon, / Prends-tu mon cul pour un chapon ? / Mais laissons ma fesse, grand Prince… ».

Outre la dégradation, il s’agit d’un manifeste contre la guerre, écrit à la fin du règne de Louis 14. L’exemple du pot de chambre renversé par Agamemnon, dans un transport de joie, au moment où il voit en songe Nestor lui prédire qu'il va prendre Troie, est typique : « Mais son réveil fut la ruine / Du pot contenant son urine / Ce pot sur une chaise était ; / Il chut, quand il se transportait […] / Un valet entra dans sa chambre, / Qui certes ne sentait pas l'ambre. / Il se boucha le nez et dit : / Atride a pissé dans son lit ». Ce geste, qui dénonce la vacuité d’un rêve de grandeur d’Agamemnon, est l’emblème même de l’abaissement burlesque, apportant à la fois le rire et la démystification.

Dans le laboratoire que constituent ces premières œuvres se révèle déjà un auteur qui ne suivra pas les modèles, qui se passionnera pour le dialogue et la langue parlée, pour la diversité humaine, et qui placera la subjectivité au cœur de la littérature.

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Le Jeu de l’Amour et du Hasard mis en scène par Alfredo Arias

Ce spectacle a d’abord été créé au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers en 1986 avant d’être repris, l’année suivante, aux Célestins de Lyon. Le parti pris dans la mise en scène peut paraître étonnant mais rejoint, à travers le jeu de masques – où l’on retrouve l’influence de Grandville, un caricaturiste du 19^e siècle – et le travail sur les postures corporelles, la tradition du théâtre des Italiens pour présenter la pièce de Marivaux comme une farce, « à la manière des singeries du 18^e siècle ». Par cette approche, Alfredo Arias et le Groupe Tse offrent une lecture proche du conte et du merveilleux en même temps qu’une vision critique pleine d’humour et de fantaisie autour de l’acte théâtral en faisant de l’acteur un animal et qui plus est, un singe parlant. (Dossier de presse du Théâtre des Célestins de Lyon, 1988).

En savoir plus : Voir un extrait du spectacle

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